4 modeporträtt skapade av Andy Hoang och Profoto B10

Berätta lite om dig själv. Vem är Andy Hoang? 
Jag är en brittiskfödd vietnamesisk mode- och reklamfotograf/-producent som bor och arbetar i London. Jag skulle säga att min fotostil är inspirerad av den brittiska subversiva motkulturen under 1990-talet och av okonventionell skönhet.

Hur började du fotografera med blixt och när bestämde du dig för att börja använda blixtljus? 
Jag började sent med fotografering överhuvudtaget. När jag var lite drygt 20 år och behövde ett jobb, halkade jag in på eventfotografering. Till stor del handlade det om väl upplysta bilder som fotograferades på mörka eller dåligt upplysta nattklubbar. Efter att ha jobbat sena helgkvällar ett tag ville jag prova att fotografera bara för att det var roligt. Därför frågade jag en släkting om jag fick låna dennes fotoutrustning och några speedlights för att fotografera en kompis ute på location. Jag upptäckte snabbt att man inte kan lita på TTL-funktionen hos genomsnittliga speedlights när det även finns naturligt ljus i bilden. Genom mitt experimenterande lärde jag mig mycket om placering, ljustyper (hårt och mjukt) samt styrkeförhållanden. Det startade min passion för fotografering och blev mitt första experiment med ljussättning.

Har du några tips för den som vill börja använda blixt? Hur började din egen resa? 
När jag började använda blixt på riktigt hade jag ingen som kunde hjälpa mig. Därför fick jag själv lista ut varför bilderna blev över- eller underexponerade, liksom vad fyllnadsljus och huvudljus är, men det behöver egentligen inte vara så krångligt. Det blir inte svårare än vad man gör det till. Jag brukade titta på bilder i magasin och fundera över hur de skapat ljussättningen. Var det hårt eller mjukt ljus? Vilka ljusformare använde de? Och så vidare. För att få en hyfsad koll på blixtljussättning tycker jag att man bör studera vad hårt och mjukt ljus är. Till exempel ger en klar himmel utan moln och med en strålande sol ett hårt ljus, men det räcker att ett litet moln passerar för att ljuset ska bli mjukt. Detsamma gäller för artificiellt ljus. Att känna till detta och kunna lite om grundläggande kompensering med exponeringstriangeln (bländare, ISO-tal ochslutartid) kommer man långt på.

Med det sagt kan man gärna titta i några magasin eller på några reklamfoton när man går och handlar – eller egentligen på vilka bilder som helst – för att se hur de kreativa proffsen gör det. Dessutom är förstås Profoto Academys onlinekurser ett bra verktyg. Något sådant fanns inte när jag började, men jag önskar att det hade gjort det!

Vad är det bästa – och det sämsta – med att jobba med ett stort team i en studio? Berätta lite om vad som händer ”behind the scenes”. 
Det bästa med att jobba i stora team är att du får arbeta och skapa fantastiska bilder tillsammans med verkligt kreativa människor. Du bygger upp relationer och en stabil grund för ditt arbete, som i långa loppet kommer att göra dig bättre och mer kreativ du med. Tidigare tog jag på mig många olika roller när det var dags för ett fotojobb, men man kan inte alltid gör allt själv – det är bättre att satsa på det man är bra på. Att ha en fantasifull scendesigner, fantastiska hår- och makeupartister eller en duktig stylist kan verkligen lyfta ditt arbete till nya nivåer. 

Jag antar att det negativa är att det ibland kan hända att någon inte drar sin del av lasset, att det finns olika åsikter om de kreativa målen eller att det antingen saknas personkemi eller att personers egon kommer i konflikt. Tack och lov är det sällan jag råkar ut för det. I början var jag kanske väldigt naiv, men med åren har jag börjat välja ut folk som jag känner mig trygg att jobba med och som jag vet kommer att ha en liknande vision i fråga om slutmålet. 

Vilken utrustning använde du? Och hur gick det? 
Utrustningen som vi använde den här gången var en blandning av Profoto B10 och B10 Plus, tillsammans med ett urval av OCF-ljusformare, RFi-softboxar och paraplyer. Eftersom vi inte behövde några strömkablar var det mindre risk att någon skulle snubbla eller fastna och göra illa sig – vilket gör livet lite enklare när man ska producera ett fotojobb med ett stort team. Den enkla designen och de tydliga menysystemen gjorde utrustningen lätt att använda och vi slapp slösa tid på att lista ut hur man hittar bland inställningarna. Phase One XF-kameran fungerade väldigt smidigt ihop med ljuskällorna tack vare den inbyggda Profoto Air Remote-enheten i handtaget.

Ljussättning 1 – Att bryta isen

Det här var vår första scen för dagen. Det första fototillfället handlar ofta om att bryta isen, för i många fall har du inte träffat modellerna tidigare och därför behöver du bygga upp personkemin och få dem att känna sig bekväma. Som tur var anpassade sig våra modeller snabbt till situationen. 

Jag använde en B10 och en B10 Plus med en OCF Softbox Octa från vänster och paraplyet Umbrella Deep Silver XL från höger, med en diffusor monterad. De placerades nära motivet, vilket skapade hårdare skuggor i bakgrunden. Huvudljuset var försett med ett OCF-färgfilter och riktades mot en rad trasiga speglar för att skapa en ojämn och färgad ljuseffekt på ansiktena och bakgrunden. 

  

Ljussättning 2 – Kreativ fotografering i ögonblicket

Den här bilden dök bara upp medan min scendesigner testade olika lösningar för fondkulissen. Modellerna såg att jag tittade i kameran och gjorde snabbt en pose. 

För den här bilden användes fyra ljuskällor: en B10 med en OCF Softbox Octa riktad 45 grader nedåt till vänster, en B10 Plus med ett OCF-färgfilter där ljuset studsade mot speglar och träffade scenen strax utanför bildens mitt, en B10 med en RFi Softbox Strip 1x4’ och en B10 Plus med en Umbrella Deep Silver XL och en diffusor till höger. 

Ljussättning 3 och 4 – Framhävande av specifika detaljer

Båda dessa ljussättningar liknar i mycket ljussättning 2, men jag ville skapa ett jämnare ljus för att lyfta fram Cocos bladsilverarbete på foten. En B10 Plus med en RFi Softbox Strip 1x4’ fördes in i mitten på ett lågt stativ bara för att ge detta fyllnadsljus. Återigen använde jag ett OCF-färgfilter för huvudljuset, vilket skapade ett spritt rött ljus som studsade från speglarna och träffade scenen strax utanför bildens mitt.

 

 

En sista fråga: Vilka är dina tre viktigaste tips för blivande modefotografer?

1. Var inte rädd för att göra misstag
Ett av de viktigaste råd jag kan ge – och som inte bara gäller just den här frågan, utan för fotografering som helhet – är att hela tiden öva och inte oroa sig över att göra misstag. Det är bättre att göra misstagen när du övar i stället för när du jobbar mot en kund. Misstag hjälper oss att lära och växa. 

2. Nätverka 
Skaffa ett kontaktnät och umgås med likasinnade kreativa människor. Det kommer inte bara att öka ditt självförtroende och öppna upp ditt kreativa sinne utan kan även leda till framtida karriärmöjligheter. Vissa jobb – om vi använder mig som exempel – får jag genom att träffa någon på ett evenemang eller kanske genom att skicka någon ett meddelande på Instagram. Det värsta som kan hända är att personen säger nej, och det är ju ingen katastrof. 

3. Arbeta med andra 
Du är inte ensam. Du behöver arbeta tillsammans med andra för att kunna bli bättre. Hitta ett team som kan hantera saker som styling och makeup för att höja kvaliteten på ditt arbete. Du behöver inte göra allt själv och ju fler människor du jobbar med, desto större chans är det att fler får se ditt arbete.

 

Produkter som används i denna artikel: Profoto B10 - Umbrella Deep silver - OCF Softbox 60x90 - OCF Softbox octa 60cm - Air Remote TTL